"Creed III", de Michael B. Jordan

 

Round a round, combate a combate.

Mereció la pena esperar a "la nueva de Rocky". Ahora estamos a una sóla película de igualar a STAR WARS. Pero hay algo que me confunde, y es que tengo la sensación de haber visto de nuevo Rocky IV, pero ahora los blancos son negros. Y no tiene nada de raro pensarlo ya que la premisa de Creed III guarda un vago parecido con la cuarta entrega del potro italiano. Sin embargo han conseguido meter ese "pastiche" en una fórmula renovada e innovadora. Cada vez las películas de boxeo son más exigentes: golpes a cascoporro que superan la velocidad de la luz y que suenan como verdaderos disparos de un cowboy. Pero eso no tiene nada de malo, al contrario, hacen que los momentos principales de la película (los combates) parezcan más agresivos y duros, y enganchen más al espectador.

Sin embargo la película rompe con el estilo de sus antecesoras. Tanto en Rocky como en Creed, vemos el boxeo como un mundo duro y cruel. No cabe duda de que es la otra cara de la trama lejos de las luces y la prensa. Nos muestra que realmente los boxeadores son como "cualquier hijo de vecino" con sus problemas personales y su vida privada. En Creed III vivimos literalmente una utopía en la que la trama ya podría ser considerada ficción. Esto no quita su lado atractivo, sino que lo estimula y lo potencia con ejemplos de cómo vive una celebridad, los lujos que se puede permitir y no menos importante: "los problemas de ricos". Por esa misma razón Sylvester Stallone se negó a grabar esta tercera parte y a eso se debe su ausencia en el filme, aunque a todos los fanáticos del séptimo arte nos rompa el corazón.

Pese a que Creed II hubiera dejado el listón tan alto, (altura que esta película no ha logrado alcanzar) no puede ser considerada "peor", ya que con diferencia, es la que mejor representa muchos elementos el mundo del boxeo. Con grandes referencias como el campeonato de los Golden Gloves  y el legendario combate de Rumble in the jungle, (en el que Muhammad Ali hizo historia tumbando a George Foreman en el último round) probablemente la referencia que más me ha atraído viene ligada al personaje antagonista. Jonathan Majors se va de Ant-Man, y se pone los guantes para encarnar de una manera discreta a la estrella del cuadrilátero Mike Tyson. Tras ser encarcelado 3 años, volvió a pelear más fuerte, serio, y agresivo. Esto fue un regreso espectacular en el mundo del boxeo que hizo que Tyson pasara a la historia como uno de los mejores.

No cabe duda que los boxeadores de ahora causarían estragos en el club de la lucha. 

Súper Mario Bros

Lo siento Mario, pero tu princesa está en otro castillo...

Con esta frase fui consciente de que la película valía la pena. Nintendo ha decidido apostar a caballo ganador y echar su carta más fiable... Mario. Desde 1981, hemos tenido presente al fontanero italiano en varios videojuegos que han dejado huella. En Donkey Kong, se avistó por primera vez al hombre que sería bautizado como Jumpman, que desde sus inicios se ganaría la vida salvando princesas.

Más tarde se le dio el nombre de Mario, en Super Mario Bros, el mítico juego de la NES (Nintendo Entertainment System), la cual revolucionó el mercado siendo la segunda consola de Nintendo que podías instalar en tu televisor y jugar desde casa (la primera era Family Computer pero no tuvo tanta magnitud como su sucesora).

Desde ese mismo instante hasta nuestros días Mario se ha convertido en una eminencia de todo amante de la cultura POP.  Y personalmente, la película ha sido un viaje movidito, comenzando con una historia adecuada al universo en el que transcurre. Pero sin duda alguna lo que más me ha impresionado han sido las referencias que se hacían durante el largometraje. Una de las herramientas más útiles para transportar al espectador a sus "años mozos" ha sido la banda sonora. Claramente, las canciones y temas de los videojuegos han tenido su aparición acompañando a los protagonistas. Pero hay algo que me deja descontento y a la vez disconforme, y ha sido el hecho de que por alguna razón desconocida, han tenido la necesidad de versionar cada uno de los temas originales y convertirlos en obras propias de una orquesta filarmónica. Y no digo que sea malo, al fin y al cabo se le quiere dar un toque épico y legendario a la ardua empresa de los personajes. Pero si ya la película está repleta de canciones que a todos les suenan, algunos las conocen y pocos se las saben, qué menos que dejar los temas de los videojuegos intactos. 

Sin embargo, lo que más me apena ha sido la actuación del célebre de Charles Martinet, el cual ha doblado a Mario desde que el personaje tuvo voz. Pero desgraciadamente, en esta película ha sido doblador de un mero personaje secundario, que hace referencia al propio Jumpman del arcade anteriormente mencionado. Y podría estar todo el día hablando de las referencias y pequeños detalles que pasan desapercibidos por la mayoría, pero no estamos a eso. 

Tenía pensado ver otra película ese día y se me presentó una oportunidad que me dio a saber que estaba destinado a ver ésta. Puede que fuera la intervención divina, o puede que fuera sólo un golpe de suerte... Supongo que nunca lo sabremos. Poco puedo opinar de los personajes debido a que el universo en su totalidad ya estaba creado y se han basado en hacer lo que siempre hacen. De la banda sonora estoy satisfecho en un 50% como se ha podido apreciar. La animación ha sido arrolladora debido a que en los videojuegos eran efectos, que en su esencia eran sólo un manojo de pixeles coloridos que hemos pasado a ver en alta calidad. Personalmente pienso que los escenarios daban un mayor número de oportunidades que se desaprovecharon pero espero que Nintendo se esté reservando para una próxima entrega...

"Suzume", de Makoto Shinkai

Makoto Shinkai es un artista y productor que a lo largo de sus obras ha repasado los diferentes tipos de "barreras amorosas". En 2007 con la obra 5 centímetros por segundo, se nos presentaba un amor imposibilitado por la distancia. En El jardín de las palabras (2013) era la edad la que separaba a los protagonistas. En la taquillera Your Name, el amor se produjo entre personajes de distintas épocas. Y en Suzume se enamoran personas de distintas... Dimensiones????

El anime es un género que desde los años 70 ha ido expandiéndose por todo el mundo desde las tierras orientales. Aquí algunos "viejóvenes" los llamarán "aquellos dibujos chinos", pero allí son sólo dibujos. No obstante, nos ha sido entregado un largometraje con un nivel de animación estupendo, seguido de una trama curiosa. Salí de la sala con la sensación de haber visto una fusión de Akira y El castillo ambulante, y es algo con lo que estoy bastante satisfecho. 

A esto hay que sumarle que he sentido mucha nostalgia, debido a que es la primera vez en años que la sala de cine está llena de personas en silencio y admirando el filme. Cuando acudí a ver Creed III, en el fondo de la sala se sentó un grupo extenso de adolescentes que sin duda tenían mucho que contarse entre ellos (hasta que un buen samaritano se levantó para amenazarles con calzarles una ostia). Personalmente me considero un entusiasta del séptimo arte aunque por el momento me esté formando en este mundo. Y esta proyección ha sido el cúlmen de mi felicidad (sólo faltó aplaudir al terminar la película). No sólo por ser un fanático del anime, sino por encontrarme en una habitación llena de personas que emanaban una energía con la que me sentía muy a gusto.

Centrándonos más en la producción, ha conseguido mantenerme agarrado a mi asiento las casi dos horas, con toda mi atención dirigida hacia una obra increíble. En temas de animación, encuentro especialmente fascinantes los escenarios. Ya hablé de ellos en su momento y dije que eran un pilar fundamental en crear ambiente. Pero cuando esto lo ha dibujado alguien con sus manos, la historia cambia. Ciudades surrealistas, estructuras retorcidas y utopías fantásticas que llevan a los personajes por lo que Platón llamaría, el mundo sensible y el mundo inteligible. El encuadre de las escenas es admirable y la calidad de los personajes, superior. Un éxito también para el equipo de sonido, que ha sabido exprimir al máximo las sensaciones que cada escena tenía el propósito de transmitir. Todo esto ha logrado un producto de alta calidad y muy recomendable para todo tipo de públicos.

Ant-Man y la Avispa: Quantumania

Dentro de la franquicia de MARVEL, en el momento en el que creía que no se podían hacer más películas de los vengadores, vi en cartelera una película que me pareció bastante atractiva ignorando el legado que la precede. Ant-Man y la Avispa: Quantumania ha sido un viaje de manera literal y metafórica. Por un lado, tenemos un modelo que podríamos llamarlo "general": tenemos a un superhéroe o varios, viviendo su vida normal (todo lo normal que puede ser velar por la paz), hasta que un estrepitoso imprevisto los acaba involucrando en uno de estos problemas de los cuáles podemos sacar hasta alguna moraleja, y acaban con el malo que tiene un doloroso pasado, para que todo vuelva a la normalidad. 

Por el otro lado tenemos algo que personalmente valoro y me fascina con gran magnitud... Los escenarios son un pilar clave en toda representación visual (arte, cómics, películas...), y aunque a veces no nos demos cuenta, son culpables de que nos sintamos inmersos en una película. Los personajes de fondo, las ciudades, incluso lo que hay en el cielo juega un papel muy importante a la hora de crear un escenario. Y esto es algo que se ha sabido utilizar muy bien en este largometraje. 

El mundo cuántico ha sido una muy buena oportunidad que han sabido aprovechar. A lo largo de la proyección vemos paisajes muy variados con su propia vegetación, formaciones rocosas, incluso disponen de una poblada metrópoli... Cada uno de estos lugares tiene una historia diferente que contar, y eso ha convertido al largometraje en una experiencia más enriquecedora. Porque aunque no se haya hecho mucho hincapié en los lugares por donde han pasado los protagonistas, unos pocos minutos nos sirven para conocerlo en profundidad.

Solo hay algo que  me disgusta y a la vez me deja disconforme,  y es que han presentado a un villano legendario en el MCU y lo han estropeado completamente. Modok es uno de mis villanos favoritos estéticamente hablando ya que presenta un diseño poco "humano" (una cabeza biónica gigante y voladora, con extremidades reducidas), pero en la película lo vemos como el ejemplo de cómo no hay que usar Photoshop.

El gato con botas: el último deseo

¿Qué harías si sólo te quedara una vida? Cada día, me pregunto cómo es posible que una película enfocada hacia un público tan joven, haya maravillado a todos. La anterior entrega de esta serie tuvo un toque insípido debido a que rápidamente cayó en el olvido para la mayoría. Sin embargo, DreamWorks ha ido all-in, con esta producción, que sin duda alguna, ha logrado ganarse un puesto en el top de este año.

Tras un periodo de reflexión, llegué a la satisfactoria conclusión de que el tema principal de la película es la reconciliación en todos los sentidos: la reconciliación amorosa, con nuestros seres queridos, con nosotros mismos y con nuestro pasado. De la mano de cuentos y fábulas clásicas, Joel Crawford nos ha traído un largometraje que sin duda he disfrutado sin parar. Con una calidad de personajes y escenarios exquisita, unida a una estética y animación sensacionales, lo que más me ha sorprendido ha sido el personaje antagonista: la muerte. Este personaje encarnado como el lobo feroz de Los tres cerditos, aterroriza al protagonista, no para acabar con él, sino para darle una lección de vida (da que pensar eh...)

Nominada a un globo de oro, he de recalcar el trabajazo que ha realizado Antonio Banderas como doblador al realizar todo el guion del protagonista en tres variantes del español y dos lenguas extranjeras. Por encima de él tenemos a Vin Diesel doblando a Groot para Guardianes de la galaxia, que con sólo una frase en toda la película, tuvo que repetirla  en todos los idiomas posibles.

Hellraiser (Clive Barker)

 Cuando veo Breaking Bad y no se lavan las manos ni antes ni después de cocinar, me siento muy incómodo. Y pensar que luego la gente consume esas sustancias como si nada... Pues esa misma sensación de suciedad la tuve de manera prolongada en la película de Hellraiser. Puedo entender que era una película que en su época impresionaba. Me avisaron de que era una peli un poco asquerosa, y no hice caso a la advertencia, como de costumbre. (Cuándo aprenderé...) Y esa tarde de Julio, hice de tripas corazón... Y BAJÉ LA PERSIANA (lo siento, eran las 16:00 y lo único que veía en la tele era mi reflejo). Una vez acondicionada la sala, comenzó la proyección...

Y a pesar de haber requerido una pausa para beber agua y "descansar", no me disgustó tanto. Dough Bradley se disfraza de cactus, para ascender del infierno y castigar al que le deshizo el cubo de Rubik. Todo el ámbito infernal y oscuro, me gustó bastante. Esos elementos creaban un ambiente que disfruto en películas de terror. Pero la sangre me superaba. Cuenta la leyenda que más del 80% del presupuesto para el rodaje, se fue en kétchup. No soy muy experimentado en películas sangrientas, más allá de Squid Game y Terrifyer, no he tocado mucho este tema.

 Y a día de hoy, sigo sin entender qué me gustó tanto del largometraje. Hay quien podría tratarlo de "una combinación perfecta de pequeñas imperfecciones".  Y como muchas películas, deja escapar un detalle que podríamos llamar "error", el cual no mencionaré, porque prefiero que el lector mismo se aventure a ver este maravilloso título de 1987, y lo encuentre por su cuenta. 

Hoy mismo me sangró la nariz y el baño quedó peor que un escenario de Hellraiser. 

El efecto de Wes Anderson

El otro día vi una vez más uno de mis títulos favoritos de Wes Anderson. El fantástico sr. Fox narra las aventuras de un zorro que se la juega a 3 temibles granjeros exitosos en la ganadería y la agricultura. Desde pequeño me ha fascinado el estilo que creaba este director en sus películas. Hasta el punto de querer vivir en una de éstas o aplicar ese estilo en mi día a día. Y he encontrado esa sensación que me produce verlas. Escuchar la famosa Gymnopédie No.1 de Erik Satie mientras miras por la ventana en un atardecer de domingo, reflexionando sobre tu semana o pensando en cosas en las cuales no tienes ningún tipo de influencia, pero son importantes. También disfrutar de una plácida lectura tumbado en la hamaca, en el parque de Los Jesuitas de Salamanca, te transporta al universo de Wes Anderson. Pero, ¿por qué tenemos esa sensación?. En sus películas vemos a personajes viviendo aventuras dignas de ser contadas en forma de leyenda.

 Pero, sobre todo, en estos largometrajes prima la tranquilidad: la paleta de colores, los escenarios, la banda sonora, hasta el propio encuadre centralizado (que le da un toque característico a este director) nos produce una relajación gigantesca y un sentimiento que podríamos denominar como Peiskos (es una palabra nórdica que describe la sensación de hogar que nos inunda al sentarnos enfrente del fuego, ya sea la chimenea de casa o una hoguera en el campo). Wes Anderson nos enseña que al salir de nuestra zona de confort, ésta no desaparece, nosotros la expandimos. Nuestro hogar no es la casa donde vivimos, nuestro hogar son las personas y los lugares que nos hacen sentir seguros, que nos hacen sentir el Peiskos. En medio de la montaña, en la playa, en algún pueblo de una isla pequeña... Todos esos sitios acaban siendo el hogar de los personajes de: El Gran Hotel Budapest o Moonrise kingdom, junto a las personas que se conocieron durante la aventura.